El canon de Shakespeare III

William Shakespeare andaría por los 41 o 42 años y luego del éxito de Hamlet, sigue la Tragedia. Las tragedias de Otelo, Lear, Macbeth, Antonio y Cleopatra; y una comedia –que llaman también tragicomedia– La Tempestad. Veamos aspectos de otros dramas del Cisne de Avon.

De nuevo aparecen unas obras publicadas en las ediciones In–folio o In–quarto. In–folio o In folio (del latín in folio, en hoja) es un término técnico utilizado en encuadernación que indica el tamaño de un libro, donde la hoja impresa se ha doblado sólo una vez sobre el lado menor, por lo que da lugar a dos folios que equivalen a cuatro páginas. Cuando la hoja se dobla en cuatro, se habla de In–quarto; éstas son por lo general obras individuales.

First folio es el nombre atribuido por los eruditos modernos a la primera publicación de la colección de treinta y seis obras teatrales de William Shakespeare, cuyo nombre original es Mr. William Shakespeare’s Comedies, Histories and Tragedies. Incluye todas las obras comúnmente aceptadas como auténticas, con la excepción de Pericles, príncipe de Tiro, Los dos nobles caballeros, y dos obras hoy perdidas, Cardenio, inspirada en el personaje cervantino, y Trabajos de amor ganados, considerada secuela de Trabajos de amor perdidos, de la que duda J. Shapiro. No contiene ninguno de sus poemas varios de los cuales sí fueron publicados en vida y por iniciativa del propio Shakespeare.

La edición In–folio fue obra de dos actores, John Heminges y Henry Condell de la misma compañía, The King’s men (Los hombres del rey). Esto ocurrió ocho después de la muerte de Shakespeare, es decir en 1623.

Es bueno recordar que se trata de la forma en que el impresor y/o editor –y en algunas ocasiones con la intervención del autor­– publicaba los distintos trabajos que le solicitaban. Eran dos clases diferentes en tamaño, en la clase de papel y en al acabado. Generalmente las ediciones In–folio eran más serias, hechas con mayor cuidado. Se han realizado diversas ediciones facsimilares del First folio. Los editores principales fueron E. Blount (1565–1632), librero y editor de Londres, e Isaac Jaggard (fallecido en 1627), hijo de W. Jaggard (circa 1568–1623), impresor y editor asociado por mucho tiempo con Shakespeare. Se desconoce cuántas copias se imprimieron del First folio, pero lo más probable es que la edición haya sido bastante limitada: se cree que no fueron más de 750 copias. La Biblioteca Shakespeariana Folger de Washington D. C., alberga 82 ejemplares del First folio, cantidad que se aproxima a un tercio de los que aún existen, y es, por mucho, la mayor colección en el mundo.

 

LAS PIEZAS DEL CANON III

  • Otelo, el moro de Venecia (The Tragedy of Othello, the Moor of Venice)

Fue representada ante el rey Jacobo y su corte en noviembre de 1604. Fue publicada, In–quarto , 1622, después de la muerte de Shakespeare, con su nombre.

El argumento procede de los Cuentos (Ecatommit) de Giraldi Cinthio (1504–1573); no se sabe bien cómo llegó Cinthio ni cómo le llegó a Shakespeare, los Cuentos no estaban todavía traducidos al inglés. Ver resumen completo aqui

Aunque en esta tragedia el tema de los celos es central, también lo es la ambición desmedida. Los protagonistas son Otelo, el moro de Venecia, Desdémona, su esposa y el villano Yago, que es la encarnación del mal. Esta tragedia se basa en Un capitán moro, el número 37 de los 100 cuentos que contiene los (Ecatommiti) Hecatónmitos (1565), del escritor italiano del siglo XVI, Giovanni Battista Giraldi, apodado Cinthio.

La acción se desarrolla –acto I– en Venecia, la célebre ciudad del norte de Italia, conocida también como la Serenissima y después toda la pieza en la isla de Chipre, en el Mediterráneo oriental. Los principales personajes: Otelo un general –moro, ‘negro’– al servicio del Dux de Venecia –máximo dirigente de la república de Venecia–; Desdémona, hija de Brabancio, un senador de Venecia; Yago y Casio, alférez y teniente al servicio de Otelo; Emilia, esposa de Yago.

Como en otras obras de Shakespeare aquí no hay historias intercaladas, la acción es continua. Todo fluye y el gran protagonista es el malvado Yago, cuya propia envidia/ambición inspira los celos que insufla en Otelo.

Esta pieza sirvió de inspiración para la ópera más famosa escrita sobre un texto de Shakespeare: Otello (1887), de Giuseppe Verdi. En cuanto a versiones cinematográficas, destacan la versión de Orson Welles de 1952 y la de Olivier Parker de 1995, con Kenneth Branagh en el papel de Yago.

otelo

Otelo asesina a su esposa

 

La representación más temprana de la que se tiene noticia es la de 1606. La Historia del rey Lear apareció publicada In–quarto, en 1608 y luego en 1619; y La tragedia del rey Lear en el In–folio de 1623. Las fuentes de esta patética tragedia la encontramos en Las Crónicas de Inglaterra, Escocia e Irlanda (Chronicles of England, Scotlande, and Irelande) (1577). Allí Raphael Holinshed incluye La historia del rey Leir, (The Chronicle Historie of King Leir). Aquí ya aparecen los nombres de Lear y Cordelia, entre otros. De esta crónica Shakespeare sólo utilizó la figura del rey, la trama secundaria centrada en Gloucester o Gloster, está inspirada en The Countesse of Pembrokes Arcadia escrita por Sidney en 1590.

La historia central trata de Lear y sus hijas y la del conde de Gloucester y sus hijos. Ambos patriarcas contribuyen al caos en la familia y el Estado. Shakespeare ahonda en la condición humana y en las relaciones antinaturales que pueden darse en la familia tanto entre padres e hijos, como entre hermanos.

Si el tema central en Hamlet es la locura fingida y la venganza, y en Otelo los celos y la ambición desmedida, y en Romeo y Julieta el amor juvenil –amor a primera vista–, el rey Lear básicamente trata de la ingratitud filial, la vejez y la locura.

Es una de las obras de Shakespeare más comentadas y representadas en el mundo, entre ellas la muy famosa película, Ran, del director japonés Akira Kurosawa. En 1979 el Teatro Libre de Bogotá hizo un memorable montaje de El rey Lear.

LEAR

 El rey Lear y el bufón en la tormenta – William Dyce.  Escocia 1806 – 1864

 

  • Macbeth (The Tragedy of Macbeth)

Macbeth fue un rey de Escocia entre los años 1040 y 1057, durante su reinado aparecen nombres, que Shakespeare convierte en personajes, como Duncan, Siward y Malcolm –que mató al rey Macbeth y así lo establece Shakespeare– y sitios como Dunsinane en donde muere el protagonista de la obra.

La tragedia del dramaturgo isabelino fue escrita probablemente entre 1605 y 1606. Solo se publicó, incompleta, en el primer folio. Es evidente que esta edición tiene adiciones, la más clara proviene de un pasaje de la obra La bruja de Thomas Middleton (c.1570–1627) en donde aparece Hécate, diosa de las brujas. Es claro que, de nuevo, Shakespeare lo leyó en las Crónicas de Holinshed. En lengua castellana hay una edición bilingüe: Shakespeare-Macbeth. (Editorial Sudamericana, Buenos Aires, 1970), traducción de Guillermo Whitelow y prólogo de Jorge Luis Borges).

Prólogo bien afortunado en el que el escritor y crítico argentino hace un recuento somero del canon de Shakespeare y señala su preferencia por esta tragedia cuando dice: “El rey Macbeth siempre me ha parecido más verdadero, más entregado a su despiadado destino que a las exigencias escénicas”. (p. 7).

Hay varias versiones cinematográficas y musicales, entre ellas, la ópera Macbeth (1847) de Giuseppe Verdi. También el Teatro Libre de Bogotá hizo un montaje de esta tragedia a comienzos de los noventa del siglo pasado.

MACBETH

    Macbeth y Banquo reuniéndose con las brujas en el brezal,  trabajo de Théodore Chassériau. Francia 1819–1856

 

  • Antonio y Cleopatra. (Antony and Cleopatra)

Shakespeare retoma el tema de la historia de la Roma Antigua. Apoyado en las Vidas Paralelas de Plutarco –basada en la traducción de Thomas North, en este caso, vida de Marco Antonio–, Shakespeare convierte la relación de Antonio, un reconocido romano y Cleopatra, reina de Egipto, en un drama; una historia de amor, ya no de jóvenes, como Romeo y Julieta, sino de una madura pareja de alcurnia. Y hace de esto una tragedia histórica en cinco actos que fue representada por primera vez en 1607 o 1608 y publicada en la edición conocida como First folio, en 1623. Varios investigadores afirman que se escribió en 1606–07, otros que fue anterior, sobre 1603–1604.

La obra, muestra el vínculo entre Cleopatra y Marco Antonio desde la época de la campaña parta –una serie de guerras que llevaron a cabo los imperios de Partia y de Roma entre sí por el control de Medio Oriente–  hasta el suicidio de Cleopatra. El principal antagonista de Antonio y Cleopatra es Octavio César, compañero de triunvirato de Antonio y futuro primer emperador de Roma.

La tragedia de esta obra está caracterizada por rápidos cambios en puntos geográficos y en situaciones, alternando entre Alejandría y Roma.

Críticos y comentaristas consideran que el papel de Cleopatra en esta obra es uno de los más complejos personajes femeninos en la obra de Shakespeare. Caprichosa, cruel y extravagante (Cleopatra sedujo, apartándolos de su alta misión, a dos grandes hombres de Roma, primero a Julio César, después a Marco Antonio –y lo intentó, sin éxito con Octavio Augusto–), es frecuentemente vana e histriónica, haciendo que los lectores casi se burlen. Pero Shakespeare se esfuerza por investirla, a ella y a Antonio, con una trágica grandeza.

“Mi serpiente del Nilo” la llamaba Marco Antonio. Muchas de las frases de la obra de Shakespeare repiten literalmente el texto de la traducción de North, incluyen la famosa descripción de la barcaza de Cleopatra: “La barcaza en la que ella se sentaba / como un trono bruñido / ardía sobre el agua”. Shakespeare añade también escenas, incluyendo muchas que retratan la vida cotidiana de Cleopatra. Los hechos históricos a veces se cambian, en la obra de Plutarco, la derrota final de Antonio ocurrió muchas semanas después de la batalla de Accio.

Poco antes de quitarse la vida Cleopatra dice un célebre parlamento que indica claramente que las mujeres no podían actuar en el teatro isabelino: “…Miserables poetas cantarán, desafinando, nuestra historia. Mediocres comediantes llevarán a la escena nuestras fiestas de Alejandría. Se representará a Antonio borracho, y yo veré a algún jovenzuelo de voz chillona hacer de Cleopatra y dar a mi grandeza la postura de una puta”.   

  ANT. Y CLEO.
                                             En este cuadro, Lawrence Alma-Tadema imagina a Marco Antonio,                                                       impaciente por ver a Cleopatra, abordando su lujosa barcaza  cuando                                          remontaba el río Cidno, en el año 41 a.C. 1883.

 

  • Coriolano (Coriolanus)

Escrita en cinco actos en verso y prosa, más que una tragedia histórica, Coriolano se aproxima al drama histórico. Es una de las últimas obras de Shakespeare. Apareció alrededor de 1607 pero solamente se publicó en la edición In–folio de 1623. Fue representada probablemente a principios de 1608 en la corte del rey Jacobo.

Gaio Marcio Coriolano, siglo V a. C., mejor conocido como Coriolano, fue un famoso general romano de los tiempos de la Roma Antigua y su guerra contra los volscos, un pueblo de la antigua Italia que ocupaba el centro de la península y que tuvo un papel destacado en la historia de la Antigua Roma.

En 493 a. C. conquistó la ciudad volsca de Corioli, lo que motivó su apodo y su ascenso a general. En tiempos posteriores hubo un consenso histórico aceptando la existencia real de Coriolano, así como también un consenso literario sobre su historia narrada por Tito Livio, Plutarco –La vida de Coriolano– y Dionisio de Halicarnaso.

La tragedia gira alrededor de Cayo Marcio Coriolano, un brillante general romano que, a su regreso a Roma, debido a sus demostraciones de valor en la guerra contra los volscos y a la toma de la ciudad de Corioli, recibe el sobrenombre de Coriolano. El Senado pretende que sea nombrado cónsul, pero su actitud altiva y despectiva hacia la plebe le hace impopular y los tribunos consiguen su destierro.

Coriolano entonces se dirige a casa de Tulo Aufidio, general de los volscos, su acérrimo enemigo; es recibido calurosamente y puesto a la cabeza de los volscos para vengarse de los romanos. Coriolano llega a las murallas de la ciudad y los romanos, para salvarla de la destrucción, envían a un airado conciudadano que le instiga a pactar, pero en vano. Finalmente, la madre de Coriolano, Volumnia, su mujer Virgilia y su hijito van a implorarle que salve a la ciudad. Cede a sus súplicas, concluye un tratado favorable para los volscos y vuelve con ellos a la ciudad de Anzio. Allí el general de los volscos le acusa de haber traicionado los intereses de este pueblo y, con ayuda de conspiradores, le hace matar en la plaza pública.

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La despedida de Coriolano,  1817  –  Giovnni Silvagni  Italia 1790-1853

 

  • El cuento de invierno (The winter’s tale)

Comedia escrita probablemente en 1611, se representó ante el rey y la corte en el mes de noviembre.  Sólo se publicó en el Folio de 1623. Se trata de una de las últimas obras de Shakespeare, llamadas también romances o tragicomedias románticas, con los elementos característicos de este género, que ya habíamos visto en Sueño de una noche de verano: la magia, las relaciones familiares y la reconciliación. Cimbelino, El cuento de invierno y La Tempestad constituyen la trilogía de la etapa postrera del Cisne de Avon.

Aunque para la trama es irrelevante, los escenarios se reparten entre los reinos de Sicilia, Italia, y Bohemia, en la actual República Checa, a la que se atribuye erróneamente tener costa. (Algo que ya aparece en Pandosto).

Está basada en Pandosto (c. 1588), novela del escritor inglés Robert Greene, que a su vez se inspiró en un cuento popular recogido, entre otros, por el escritor, filósofo, diplomático y poeta inglés Geoffrey Chaucer (c. 1343– 1400) en los Cuentos de Canterbury (s. XIV) y por el escritor español Feliciano de Silva (1492– 1554) en su Amadís de Grecia (1530). Algunos nombres de los personajes están tomados de la Arcadia de sir Philip Sidney (1554–1586).

Añadamos que R. Greene, que quería muy poco a Shakespeare, escribió en tono despectivo lo que se constituye en la más temprana alusión al Cisne del Avon como dramaturgo. En él Greene desacredita a Shakespeare bajo el nombre de “Shake-scene” (“Sacude-escenas”) como un actor que se atrevía a escribir teatro y practicaba el plagio indiscriminado.

Es una de las pocas obras de Shakespeare en las que se respeta la regla de las tres unidades de Aristóteles. (Las unidades aristotélicas consistían en tres reglas: la unidad de acción (solo se debía desarrollar un conflicto); la unidad de tiempo (todo debía pasar en un día); la unidad de lugar (todo se debía desarrollar en un lugar único).

Se habla de “el mar” y “una isla” y el lector llega a pensar que la isla está en otro mar que no sea el Mediterráneo. Sin embargo, teniendo en cuenta la fecha en que fue escrito, se podría tratar de América y su colonización británica. En el texto se nombran las islas Bermudas, con su mítica historia de naufragios, incluyendo una expedición inglesa que concluyó en naufragio, 1609, en las Bermudas de sir George Somers un inglés naval héroe, caballero por sus logros y el Almirante de la Compañía de Virginia.

CUENTO DE INVIERNO

 

  • La tempestad (The tempest)

Como apunta Harold Bloom, haciendo referencia a las muy diversas interpretaciones que se han hecho de esta última gran obra de Shakespeare, “La Tempestad no es un discurso sobre el colonialismo ni un testamento místico”. Se trata de una comedia con elementos mágicos que muestra la revancha de un duque, su victoria y su perdón contra los que le habían traicionado.

Escrita probablemente en 1611 y estrenada el mismo año, este drama en cinco actos, en verso y prosa, de William Shakespeare se publicó en el In-folio de 1623.

El argumento coincide en parte con Die Schöne Sidea (la hermosa Sidea), del poeta alemán Jacob Ayrer’s (c. 1543 – 1605), una comediade libros de viajes, entre ellos la descripción del naufragio de sir George Somers. El nombre Calibán procede, según toda probabilidad, de caníbal, variante de caribe, palabra antillana.  La disertación de Gonzalo sobre la utopía, en el acto II, versos 143–168, es paráfrasis de un pasaje de Montaigne en su ensayo De los caníbales.

 En este drama, escrito al final de su carrera, como en El sueño de una noche de verano, Shakespeare utiliza lo sobrenatural, recurriendo al mundo maravilloso de los elfos y de las hadas, fundiendo admirablemente sus acciones con aventuras humanas, con lo que éstas ganan en belleza y profundidad.

Próspero, duque de Milán, fue despojado del poder por su hermano Antonio, puesto en una barca y entregado a merced de las olas con su hijita Miranda. Próspero desembarcó en una isla desierta en la que había sido desterrada la hechicera Sycorax. Gracias a sus artes mágicas, Próspero liberó a varios espíritus aprisionados por la maga, entre ellos a Ariel, y los sometió a sus órdenes. Tiene ahora a su servicio al hijo de la hechicera, Calibán, una criatura monstruosa, abyecta e ingenua que es el único habitante de la isla.

Después de Hamlet, La tempestad es el drama shakesperiano que ha dado más amplio tema a hipótesis e interpretaciones. En ciertos momentos, en las poesías de Ariel y en las palabras de Próspero, el poeta mismo, por boca de sus personajes, se dirige al mundo y expresa su concepto de la vida, de manera que La tempestad es el más personal de sus dramas y parece reflejar a veces el pensamiento más profundo del dramaturgo: “Somos de la misma sustancia de que están hechos los sueños, y nuestra breve vida está rodeada de un sueño” (acto IV, esc. 1).

MIRANDA FERnando

Al final de La Tempestad Miranda y Fernando juegan ajedrez

 

  • Bien está lo que bien acaba (All’s well that ends well)

No se sabe cuándo se escribió esta comedia en cinco actos en verso y prosa, traducida también como A buen fin no hay mal principio, fue probablemente escrita hacia 1602 o 1603. Tiene afinidades con Troilo y Crésida y con Medida por medida. Apareció impresa por primera vez en el Folio de 1623.

La fuente del argumento es Giglietta di Nerbona, uno de los cuentos de la tercera parte del Decamerón Boccaccio: el cuento estaba traducido al inglés en el Place of Pleasure de William Painter (1566).

Algunos estudiosos opinan que esta comedia tuvo una primera redacción durante la juventud de Shakespeare, en el período 1590–1594 y, una decena de años después, fue retomada por el Cisne de Avon y probablemente con la ayuda de un colaborador. Esto era frecuente en tiempos de Shakespeare.

La acción de esta obra está situada en lugares que al autor le parecían exóticos: París, Florencia y el Rosellón. El Rosellón, región histórica de Francia que corresponde al antiguo condado de Rosellón y parte del condado de Cerdaña. Ambos fueron parte de España hasta el Tratado de los Pirineos (1659), con el que se dio fin a las hostilidades abiertas desde 1635 entre España y Francia, en el contexto de la guerra de los Treinta Años.

Los temas que se abordan son el amor y el poder. Los dos personajes centrales, Elena y Beltrán, tratan de encontrar el mecanismo apropiado para llegar al objeto de su deseo. Shakespeare le entrega al espectador una exposición de los medios que el hombre puede llegar a utilizar para conseguir sus fines. El conocido escritor y traductor William Painter (sin ningún reato) se apoya, entre otros, en Heródoto, en el mencionado Boccaccio, Plutarco, Livio, Tácito, Giovanni Battista Giraldi y Matteo Bandello.  Del Decamerón extrajo Painter (The Palace of Pleasure), el Palacio del placer. Ahí encontramos la historia de Giletta de Narbona que cura al rey de Francia de una grave úlcera y pide por marido a Beltrán del Rosellón.

En esta comedia Shakespeare acude de nuevo al bufón, un personaje que aparece también, entre otros de sus dramas, en Lear, Otelo y Noche de Epifanía.

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  • Medida por medida (Measure for measure)

Se sabe que esta comedia se representó ante el rey y la corte en diciembre de 1604.

El único texto que se conoce es el del Folio de 1623. Fuente: la comedia, nunca representada, de George Whetstone, Promos and Casandra (1598), que se basaba en uno de los Ecatommiti del cuentista italiano Giraldi Cinthio (1565).

Este drama en cinco actos en verso y prosa fue compuesto por Shakespeare aproximadamente en 1604, estrenado el mismo año e impreso en el In-folio de 1623. La fuente inglesa de Medida por medida es el drama Promos y Casandra (1578) de George Whetstone (c. 1544 – c. 1587), quien más tarde tradujo en su Heptamerón de discursos civiles el quinto relato de la octava década de los (Hecatommiti) Hecatonmitos de Gian Battista Giraldi Cinthio.

El tema, un juez a quien le imploran la esposa o la hermana de un condenado a muerte. El juez promete el perdón si aquella mujer se le entrega, pero después de poseerla, manda ejecutar la sentencia, era un tópico muy difundido en la literatura y escrito a menudo como obra de teatro.

La trama se sostiene por el hilo sutil de un exceso de disfraces a lo largo de la obra. El duque simboliza una ética ilustrada y cristiana. El único personaje que cautiva parece ser la abandonada Mariana. Las figuras de los protagonistas de la obra están trazadas insólitamente por Shakespeare, y los personajes nos comunican desconfianza y repugnancia hacia los hombres. Cualquier abyección con tal de vivir, con tal de satisfacer el libidinoso apetito: es el trasfondo de esta comedia. Medida por medida explora la fricción entre lo privado y lo público, entre sacrificio y perdón. La lujuria del poder y el poder de la lujuria. “Una comedia que destruye la comedia”, en palabras de Harold Bloom.

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  • Timón de Atenas (Timon of Athens o The Life of Timon of Athens)

Este drama en cinco actos, en verso y en prosa, fue escrito por Shakespeare probablemente en 1608, y publicado en el In-folio de 1623. El texto es muy corto, se ha escrito que intervinieron en él manos ajenas, pero no hay acuerdo sobre cuáles serían (T. Heywood, C. Tourneur, G.  Wilkins, G. Chapman, T. Meddleton, N. Field).

Las fuentes: Plutarco, anécdotas sobre Timón, –en las Vidas de Alcibíades y de Marco Antonio–, Luciano, en El misántropo. Como Shakespeare sigue a veces muy de cerca las palabras de Luciano, y el diálogo no estaba traducido al inglés, queda el problema de saber cómo lo consiguió Shakespeare.

Sus afinidades con un drama académico inglés, Timón (hacia 1581–1590), cabe probablemente explicarlas como motivadas por el uso de la misma fuente del Misántropo de Luciano, puesto que el Timón inglés permaneció manuscrito y no parece probable que Shakespeare pudiese verlo.

El argumento del drama es bien sencillo y se divide en secciones distintas. En las primeras escenas Timón se muestra liberal, espléndido, amante de la alegría, y se ve cortejado por las adulaciones de sus favoritos, cuyos obsequios devuelve él con extravagante generosidad. En vano Flavio, el mayordomo, se esfuerza en llamar la atención de su señor para exponerle su lamentable estado financiero.

Lleno de deudas, Timón manda invitar a los pérfidos parásitos a un postrer banquete, y cuando ya éstos creen que sus demandas de dinero no habían sido más que un artificio para poner a prueba su amistad, Timón dramáticamente hace destapar los platos, llenos de agua caliente, y cubriéndolos de insultos se los echa al rostro.

Maldiciendo la ciudad, Timón se retira a vivir una vida solitaria y misántropa en una caverna, y mientras remueve la tierra, para encontrar raíces con que nutrirse, encuentra un tesoro. Menospreciando el oro, lo entrega a Alcibíades, que se había rebelado contra Atenas por haberse ésta mostrado desagradecida a sus servicios (caso parecido a la ingratitud de los favorecidos por Timón), para que con él pague a los soldados destinados a destruir la ciudad.

El carácter de Timón es un paradigma, o una alegoría; las escenas de adulación primero, de repudio después y finalmente de un discurso violento contra los aduladores. Lo que se resalta en este drama es el significado de la sátira de las costumbres y de la ingratitud humana, según la nueva boga satírica que triunfó en Inglaterra bajo Jacobo I, y que encontró adeptos entre dramaturgos como Ben Jonson (1572–1637) y J. Marston (1576–1634).

 

TIMÓN

 

  • Cimbellino (Cymbeline)

Esta tragicomedia fue escrita entre 1609 y 1610.  Consta que se representaba en 1611.  Sólo está en el Folio de 1623. Tiene gran parecido de argumento con Philaster, de Beaumont y Fletcher, escrito probablemente en esos mismos años.

La fuente es uno de los cuentos del Decamerón de Boccaccio, el de Bernabé de Génova, que estaba traducido al inglés desde 1518.  La parte histórica del asunto procede de la Crónica de Holinshed. Bernard Shaw ha escrito (1937), en verso blanco, una nueva versión del último acto de la tragicomedia, que es desordenado en Shakespeare.

La gran cantidad de disfraces, recurso muy frecuente de Shakespeare, entre los cuales destaca el de la mujer en muchacho, motivo de la época que se irá popularizando y las diversas estratagemas caracterizan este drama.

Cimbelino no resulta el mejor personaje de Shakespeare. Ni la amargura de Póstumo, que se cree traicionado, alcanza la fuerza que, en una situación análoga, tenía Troilo en Troilo y Crésida. El único personaje que verdaderamente conquista al público –y al lector– es la suave Imogena.

CIMBELINO

Imogena

  • El cuento de invierno (The winter’s tale).

Tragicomedia que debió escribirse hacia 1610. Sólo aparece en el Folio de 1623. Fuente: La novela de Robert Greene, Pandosto o The Triumph of time  (1588), reimpresa con el título de Doratus and Fawnia  (1607).  El nombre de Florizel procede tal vez de Amadis de Grecia, libro de caballerías del español Feliciano de Silva, que además escribió Don Florisel de Niquea.  El Amadis de Grecia, que inspiró la novela de Greene, estaba traducido al francés.

Mejor llamada comedia, consta de cinco actos, en prosa y verso, en 1611 fue representada ante la corte y fue publicada en el infolio de 1623. Su fuente principal es la novela Pandosto o el triunfo del tiempo de Robert Greene (1558–1592), reimpresa (1607) con el título de Dorasto y Faunia. El episodio de la estatua viviente le pudo muy bien ser sugerido por la Mujer en la Luna de John Lyly (1554–1606), o por las Metamorfosis de la imagen de Pigmalión (1598), de John Marston (1575–1634).

Algunos nombres de personajes están tomados de la Arcadia de sir Philip Sidney (1554–1586). El título, Cuento de Invierno, es sinónimo de historia para contarse alrededor del fuego; género de cuento en el que toman parte los espíritus, los desenlaces de antiguas profecías o la fuerza del destino.

El argumento se anima con una novela alejandrina, en la que las aventuras de los personajes no son más convincentes que la geografía del drama, según la cual Bohemia está junto al mar y Delfos es una isla, o de su historia, que hace a Julio Romano contemporáneo del oráculo de Delfos.

Pero el acto cuarto, con el amor puro de Floricel por la muchacha, cuya nobleza se hace patente aun en su humilde condición de pastorcilla, es muy similar a La Tempestad dado que fueron escritos por la misma época.

En El cuento de invierno coexisten fantasía y realis­mo, tragedia y comedia, corte y campo, nobleza y picaresca, antigüedad griega y modernidad isabelina, y contiene, además, un buen número de curiosidades y prodigios (incluida la pre­sencia escénica de un oso y de una estatua que cobra vida). La acción se desarrolla en dos tiempos con un intervalo de dieciséis años y se alterna entre Sicilia y Bohemia. Inspirada en la tragi­comedia.

Winter's+Tale'

El cuento de invierno –  Pintura de William Hamilton

 

  • Enrique VIII (The Famous History of the Life of King Henry the Eighth)

Debió escribirse entre 1612 y 1613.  Sabemos que se representaba cuando se incendió el teatro del Globo a causa del disparo de cañón al final del primer acto el 2 de Julio de 1613. No se imprimió hasta el Folio de 1623. Probablemente Shakespeare escribió la obra en colaboración con John Fletcher (1579 – 1625) Fuera del folio de 1623 hay dos obras en que es importante la participación de Shakespeare: Pericles y Los dos nobles parientes.

Como acertadamente ha observado Schlegel, el reinado de Enrique VIII se adaptaba mal a la forma dramática, teniendo que resolverse con la repetición de escenas similares: mujeres repudiadas y llevadas al patíbulo, favoritos caídos en desgracia y condenados a muerte. Además, al presentar el carácter tiránico y voluptuoso del rey, el autor no podía crear un personaje completamente odioso, pues aquel rey era padre de la Isabel de glorioso recuerdo.

La verdadera heroína del drama es Catalina de Aragón, cuya dignidad y resignación, así como su dulce y firme resistencia durante la tramitación del divorcio, están hechas para conmover a los espectadores. Los demás episodios sobresalientes de la vida de Enrique VIII son pasados en reseña: la acusación y ejecución del duque de Buckingham; el orgullo y caída del cardenal Wolsey, y su muerte; la coronación de Ana Bolena; el triunfo de Cranmer sobre sus enemigos.

El estilo del drama revela características más propias de Fletcher que de Shakespeare; y, aparte de ciertas escenas patéticas, no puede decirse que tenga méritos singulares. También extraña la vuelta de Shakespeare al drama histórico al final de su vida; es posible que se trate de la adaptación de un argumento anterior.

H VIII

 

  • Pericles, príncipe de Tiro (Pericles, Prince of Tyre)

Este drama en cinco actos, en verso y prosa atribuido en parte a William Shakespeare. fue escrito y representado hacia 1608, publicado en la edición In-quarto de 1609, 1611, 1616 y 1630, y en la segunda edición del tercer In folio de 1664. La obra se inspira en dos fuentes: La historia de Apolonio, rey de Tiro, difundida en un texto latino del siglo V o VI, en la versión que hizo John Gower (1330?-1408) en Confessio Amantis. La otra es The Pattern of Painful Adventures, versión en prosa de Lawrence Twine.  el modelo de aventuras dolorosas (The pattern of paynfull adventures),  que existía desde 1576.  De Gower y de Twine proceden el drama de Shakespeare y la novela de Wilkins. Gower aparece en los prólogos y el epílogo del drama.

Está considerada una de las cuatro obras del grupo de los llamados romances tardíos, junto a Cimbelino (1610), Cuento de invierno (1610–1611), y La tempestad (1612).

PERICLES

 

  • Los dos nobles parientes (The two noble kinsmen)

Comedia que debió de escribirse entre 1612 y 1613.  Se imprimió (4º) en 1634 con los nombres de Shakespeare y John Fletcher. Se incluyó en el volumen en folio de Cincuenta comedias y tragedias de Beaumont y Fletcher, de 1679.  Es bueno el texto del Quarto de 1634. Es considerada también como una tragicomedia romántica.

Se atribuye a Shakespeare la mayor parte de la obra: a Fletcher, las escenas 3 a 6 del acto II, 3 a 6 del acto III. 1 y 2 del IV, 2 del V.  Hay dudas sobre las escenas 4 y 5 del acto I y II del III.

Fuentes: El cuento del caballero (The knight’s tale), uno de los Cuentos cantuarienses de Chaucer,

Está basada (y así se hace constar en su prólogo original) en El cuento del caballero, uno de los relatos incluidos en la obra Los cuentos de Canterbury de Geoffrey Chaucer (1340–1400), derivado de Boccaccio. Los cuentos de Canterbury, son considerados el texto más importante de la literatura medieval inglesa, además de ser el primero escrito en esa lengua. A su vez, El cuento del caballero se basa en la tradición clásica del relato de la historia de Tebas. Así, la acción se desarrolla en la Grecia antigua, en las ciudades–estado de Atenas (actual capital de Grecia) y Tebas (a 48 km. al norte, actual Thiva).

Los personajes principales que aparecen son, por el lado ateniense, Teseo e Hipólita (mítico rey él, vencedor del minotauro, y mítica reina de las amazonas ella); y por el tebano, los primos Arcites y Palamón, trasposición literaria (ya presente en la Teseida de Boccaccio, escrita en 1340) de Etéocles y Polinices (hijos de Edipo). Los dos tebanos, que en la tradición clásica luchaban por la conquista de la ciudad a Creonte, desde la Teseida y con sus nombres cambiados luchan por el amor de Emilia, la ateniense hermana de Hipólita. Luego están Pirítoo, amigo inseparable de Teseo; y por otro lado la evocación de Flavina por parte de Emilia, un ejemplo de amor lésbico.

Tanto Teseo como Hipólita aparecen también en Sueño de una noche de verano, que incluye al final su casamiento.

No hay ninguna adaptación cinematográfica de esta obra, pero sí de su inspiradora, El cuento del caballero, de Geoffrey Chaucer. El título en inglés de la obra de Chaucer es “The Knight’s Tale”, y el de la película, “A Knight’s Tale” (2001). Dirigida por Brian Helgeland, está protagonizada por el fallecido Heath Ledger. En España se estrenó como “Destino de caballero” y en México como “Corazón de Caballero”.

Algunas de las sentencias que contiene la obra:

  1. Cuando la sensualidad nos somete, perdemos el título de humanos.
  2. Terrores, furias, encargos de amigos, provocaciones amorosas, celos, recados para una dama, deseos de libertad, fiebre, locura, imponen una meta que la naturaleza no puede alcanzar si no la fuerzan, pues la voluntad, aunque enfermiza, se impone a la razón.
  3. El mundo es una ciudad llena de erráticas callejas, y la muerte es el mercado donde todos se encuentran.
  4. Por lo que nos falta reímos, lamentamos lo que tenemos: en cierta forma, seguimos siendo niños.

THE 2 NOBLE

 

 

Ver:El canon de Shakespeare II

El canon de Shakespeare I